Mécènes du Sud

Ici-Même, la ville comme un autre ailleurs

Hervé Lucien — 2012-06-01T01:00:00Z

Psychanalysé, radiographié, interprété : l'urbain dans sa dimension la plus brute est devenu un enjeu artistique majeur de la création contemporaine. Après leurs Agences de Conversation et leur Congrès des Experts proposés en avril dans le cadre du cycle “En Corps Urbains” au Théâtre du Merlan, le collectif Ici-Même revient au cœur de sa matière de création pour des Concerts de Sons de Ville où il entraîne les publics, à l'aveugle, dans une (re)découverte sensitive et sidérante. Entretien avec Corinne Pontier, une de ses membres.

Hervé Lucien : Plus qu'un décor ou un alibi, la ville devient une véritable matière de création à chacun de vos projets. Comment en êtes-vous arrivés à ce type d'interventions ?
Corinne Pontier : L'Agence de Conversations est un dispositif que nous avons commencé il y a une dizaine d'années et qui regroupe une partie de nos interrogations sur l'espace public. Le point de départ, ce sont les élections présidentielles de 2002 où Jean-Marie Le Pen est arrivé au deuxième tour : nous étions en cours de création à Grenoble et nous avons suspendu nos actions. Nous nous sommes alors laissés emporter dans le flux de cet événement. Un véritable mouvement de parole est né dans l'espace public dans lequel nous nous sommes immiscés et que nous avons même amplifié avec nos actions. Nous étions jusque-là moins dans la parole que dans le travail d'usage décalé de l'espace public, nourri par des personnes venant de l'anthropologie, de la sociologie. L'idée restait de travailler sur le ralentissement du temps, l'écoute.

H. L : La notion de témoignage est cruciale dans votre travail.
C. P : Oui, car il s'agit de partir de constats. La notion de série aussi est importante, ce travail prend et dure longtemps : nous traversons le temps, ce n'est pas une action isolée, nous en menons parfois de façon complètement invisible, sans que ce soit annoncé, sans instrumentalisation par la politique de la ville… Ce qui nous intéresse, c'est d'être à un endroit où la rencontre avec l'autre est non anticipée, non repérée, non signalée. Chaque personne est captée aléatoirement dans les flux hasardeux de la ville. Nous nous intéressons aux interstices de la ville comme aux interstices de la conversation.

H. L : Est-ce un parti pris documentaire ?
C. P : Nos Traversées de nuits ou les Concerts de Sons de ville sont des écritures proches du documentaire de création, car il y a tout de même une part de subjectivité, qui est annoncée. La notion documentaire relève du champs large que nous établissons dans nos recherches, de l'accumulation de points de vue. Ces projets seraient ainsi de longs travellings à travers notre sujet. Nous venons du spectacle vivant, de la fiction, mais avec le temps nous avons épuré notre discours pour laisser parler le sujet lui-même : nous considérons que l'imprévisible du réel peut profitablement remplacer le côté spectaculaire d'un événement artistique.

H. L : Votre démarche est à la fois une approche du public et un “spectacle” : le rendu artistique est-il aussi important que les liens qui se tissent avec les participants ?
C. L : C'est en grande partie lié à notre passé dans le spectacle vivant, où la place du public a été longuement interrogée. Au sein d'Ici-Même, nous en arrivons aujourd'hui à ne plus savoir qui est qui. Nous voulons donner la possibilité de traverser plusieurs positions alternativement, sans emprisonner les sujets : il s'agit pour le public comme pour nous-mêmes de circuler, d'être toujours en déplacement dans différents états et positionnements.

H. L : Pour 2013 vous projetez un “Opéra-Tour” pour saisir les flux de la ville. En quoi consiste ce projet ?
C. L : C'est une mise en récit d'expériences invisibles sur lesquelles nous travaillons actuellement, une sorte de partition, de “livret d'opéra” mais aussi un carnet de rendez-vous. Il est bâti sur une série d'expériences proposées autour des “plateformes” marseillaises, des lieux de flux : entrées/sorties de ville, d'usagers, de marchandises, de moyens de communication, de déchets… Nous n'avons pas voulu nous positionner uniquement sur des quartiers mais sur des rapports à la ville plus larges en choisissant d'investir ces échangeurs qui échappent à la politique locale. Notre géographie de projet pose ainsi un calque supplémentaire sur la ville.

H. L : Vous avez été lauréats Mécènes du Sud en 2008 et vous revenez dans le dispositif cette année. Cela vous apporte quoi ?
C. L : C'est très important pour la mise en place de nos projets sur Marseille : il existe un écho certain aux problématiques d'espace public et aux activités de la ville portées par les grandes entreprises, sur lesquelles Mécènes du Sud nous fournit un éclairage intéressant et se révèle une ressource indispensable.

Du 6 au 9 juin • à 7h et 19h (& 22h le 8) • Départs Métro Bougainville et place Bernard du Bois • Marseille 15e et 1er • 5 euros (réservations indispensables) • à partir de 10 ans • 04 91 11 19 20
www.merlan.org
www.icimeme.org

Insula, exposition de Berdaguer & Péjus à l'Institut d'art contemporain de Villeurbanne du 16 mars au 13 mai 2012

Laurent Cucurullo — 2012-05-02T03:00:00Z

Depuis Marcel Duchamp les investigations des artistes vont toujours plus loin dans l'accaparement du réel avec le souci de repousser encore plus loin les limites de l'art jusqu'à ce que l'un et l'autre se confondent parfois. En introduisant d'autres méthodes de travail, en accordant au concept une place importante, en privilégiant l'intérêt critique et non plus seulement plastique, l'œuvre de Duchamp a radicalement bouleversé l'art du siècle dernier. Aujourd'hui encore cette réflexion sur l'art et ses limites ainsi que sur ses relations avec la société n'a pas cessé de produire ses effets. Créer se révèle plus complexe que simplement exécuter le geste parfait, réaliser une œuvre inspirée ou produire quelque chose.
Exemple avec l'invention du ready-made [1] : vu de loin n'importe quel objet du monde ordinaire peut être traité comme une œuvre d'art à condition que ce traitement soit le fait d'un artiste. Facile alors de conclure à un raisonnement tautologique puisque l'œuvre d'art n'est rien d'autre que ce qui est produit par un artiste, qui lui-même se définit par sa capacité à faire œuvre d'art !
Pourtant cette circularité n'est qu'apparente. L'art n'est plus seulement une jouissance esthétique, il faut que le regard repère la multiplicité des interactions pour que le regardeur éprouve une jouissance polysémique. Disons que l'art contemporain ne fait pas que changer la forme des choses, mais aussi leur sens [2].
De l'ambiguïté et un vertige pour les sens que nous retrouvons dans l'exposition de Christophe Berdaguer et Marie Péjus à l'IAC de Villeurbanne. Au moment où de nombreux artistes développent un projet artistique qui se préoccupe du réel, les lauréats Mécènes du Sud en 2011 [3] explorent d'autres territoires comme l'indique le titre de leur exposition, Insula [4]. J'ai l'impression que leur investigation du réel est modulée par leur approche conceptuelle avant de donner lieu à de nouvelles matérialisations. Visualisez pour commencer des environnements plutôt que des installations parce que c'est un genre plus sensible à l'espace et à l'expérience de l'espace. Ce binôme s'intéresse aussi bien à l'espace physique, plastique qu'à l'espace du rêve et aux interactions entre le corps et l'esprit. Mais comment représenter cette étendue indéfinie où les corps résident en mouvement ?

La première chose que je remarque est la façon bien particulière dont ils choisissent d'habiter l'IAC. Lentement mais surement, j'oublie les vieux principes du white cube au profit d'autre chose. Dans la plupart des cas, la solution retenue est celle de la boîte blanche qui isole les œuvres : il s'agit d'éviter toute perturbation, de garantir une certaine autonomie des créations exposées afin de favoriser les expériences que les visiteurs en feront. Ici l'agencement de l'exposition, ou l'accrochage si vous préférez (même s'il n'y a plus grand chose à accrocher bien souvent), se caractérise par une blancheur omniprésente du sol au plafond en passant par les productions des artistes.
L'effet est saisissant, j'hésite souvent avant de m'approcher, je regarde où je mets les pieds et j'ai même du mal à identifier les textures des volumes, des constructions hybrides ou des maquettes. Finalement je me laisse porter par cette sensation qui participe de l'étrange unité de l'exposition. C'est un peu comme si j'étais à l'intérieur d'une architecture rêvéen, voire dans la tête d'une autre personne !
Plutôt déconcertant à l'image de cette Forêt épileptique, un dispositif de projection aux qualités immersives où le visiteur découvre, éprouve même une déambulation dans une forêt éclairée par des stroboscopes susceptibles de provoquer des crises d'épilepsie de type photosensible.

A la fin de ma visite je réalise quel est l'effet de symétrie souhaité par les auteurs avec l'exposition de Kilda 2 en guise d'ouverture puis de Kilda [5] à la fin. Imaginez une île habitée uniquement par des oiseaux, du vent et une communauté qui ignore ce qui se passe dans le reste du monde, un contexte qu'ils matérialisent sous la forme temporaire d'une architecture arachnéide faite de chaines, d'un ciel à l'envers, de son reflet ou encore de concrétions et de fientes. Ici encore le réel ressurgit grâce à l'imaginaire et aux mots que les formes plastiques suscitent.
Le vertige du visiteur est souvent lié à la présence d'objets exposés dans les espaces de l'art contemporain où toute œuvre d'art semble exister sous une double espèce, à la fois objet réel parce que ce qui est exposé est immédiatement identifiable et produit de l'imagination parce que dans ce contexte ils ne sont plus exactement ce qu'ils sont ailleurs. C'est un trouble qui enfle encore avec la démarche de Berdaguer & Péjus [6] qui exposent des formes résiduelles, des potentiels plutôt que des œuvres.

[1] Un objet trouvé ou acheté mais surtout "dé fonctionnalisé" car placé dans un autre contexte où il sera considéré comme un objet d'art.

[2] Et c'est bien souvent le mot qui met en marche l'image.

[3] www.mecenesdusud.fr/Berdaguer-Pejus

[4] L'insula, ou cortex insulaire fait partie du cortex cérébral, et conserve aujourd'hui encore de nombreux secrets. L'insula reçoit un certain nombre d'informations relatives à l'état du corps, la mesure de son propre rythme cardiaque, la motricité de certains organes, le contrôle de certaines émotions, la conscience du soi…

[5] L'archipel de Saint Kilda a abrité pendant plusieurs millénaires quelques familles dont le mode de vie autarcique dépendait presque entièrement des oiseaux. Les derniers habitants furent évacués en 1930 cédant aux volatiles cet étrange royaume, zone de reproduction pour de nombreuses espèces.

[6] www.documentsdartistes.org/artistes/berdaguer-pejus

48H CHRONO

Stéphane Galland — 2012-05-02T02:00:00Z

Dans une Friche en chantier et en mutation, appelée à assumer officiellement un statut de lieu majeur lors de l'année Capitale européenne de la Culture en 2013, 48H CHRONO est un rendez-vous d'importance en même temps qu'un parti-pris artistique fort. Les enjeux sont multiples : inscrire plus clairement la Friche la Belle de Mai dans son quartier et sa ville, rendre compte de la diversité des activités de ses résidents, investir un site en (dé)construction, élargir ses publics…
La prise de risque est réelle, assumée et transformée en invitation au jeu. Pendant 48 heures se succèderont ou cohabiteront une quarantaine de propositions : installations sonores et visuelles, cuisine, concerts, arts plastiques, performances, dancefloors, projections et expériences participatives. Le volet musical s'y enrichit notamment des concerts du festival Les Musiques.
L'artiste marseillais eriKm a été associé à la préparation de ces 48H CHRONO. L'occasion idéale de discuter avec le musicien, platiniste, plasticien, à qui nous devrons par exemple la présence de l'inénarrable organiste Charlie O. pendant ce weekend-end « frichiste », mais pas que, loin de là.

Stéphane Galland : Comment as-tu été sollicité sur 48H CHRONO et quelle a été ton implication ?
eriKm : J'ai été invité par SFT (Système Friche Théâtre, structure référente et à l'origine du projet de la Friche, nda) dans la continuité de ma résidence dans le bâtiment de La Friche depuis 2007. Ce 48H CHRONO est une première version, dans une Friche en chantier, pour lequel ils m'ont demandé d'être programmateur.

S. G : Ta résidence à la Friche est de quelle nature ?
e. : Quand la SCIC (Société Coopérative d'Intérêt Collectif) s'est montée, les équipes de SFT se sont retrouvés dans le schéma dans lequel ils étaient auparavant, à savoir soutenir des projets ; je leur ai alors proposé d'y avoir un atelier pour pouvoir montrer mon travail plastique.
Ce qui m'a vraiment intéressé dans 48H CHRONO, c'est la globalité du projet qui impliquait de rencontrer et travailler avec l'ensemble des structures présentes à la Friche. J'avais déjà travaillé avec Documents d'Artistes, Zinc, Art Temps Réel ou Radio Grenouille, avec qui c'était l'occasion de poursuivre et d'approfondir des actions. Il n'y a pas d'esthétique particulière qui domine, tout s'est construit à partir des propositions et des envies de chacun. J'ai travaillé de manière très empirique car certaines structures abordent des questions dont je suis relativement éloigné. Au-delà des dimensions qui me sont très familières, comme le parcours sonore que nous avons construit, les arts plastiques ou encore le multimédia avec Zinc, c'était une des dimensions intéressantes du projet. Je n'étais pas là en tant qu'artiste, j'ai pu changer de casquette.

S. G : Le programme, en forme de parcours dans le lieu propose des croisements de pratiques et d'esthétiques qui ne sont pas très fréquents par chez nous…
e. : Ma position de programmateur n'était pas arbitraire par rapport à cela, j'étais dans un rapport différent de ce que je fais d'habitude en tant qu'artiste. J'ai collaboré avec les structures. Pour la danse par exemple, j'avais déjà beaucoup travaillé dans le contemporain, et là je voulais aller vers quelque chose de plus ouvert, d'où l'idée de bal tango argentin que j'ai proposé à Marseille Objectif Danse. Il y a aussi de nombreux projets qui n'ont pas pu se faire, faute de disponibilité des lieux et espaces en travaux. Avec ce chantier en cours, nous avons travaillé sous la contrainte. J'en ai l'habitude, et cela mène souvent vers quelque chose d'aventureux et expérimental.

S. G : Tu seras aussi présent en tant qu'artiste, notamment pour un concert avec F.M. Einheit…
e. : Nous jouons ensemble depuis 2008. C'est un de mes mentors et quelqu'un de très important pour moi. Il a sorti au début des années 90 un album extraordinaire d'une musique déjà faite de collages, un peu comme ce que je fais.

S. G : Chacun de vos concerts est-il très différent ?
e. : Oui car il s'agit toujours d'un rapport avec l'architecture du lieu. Pour F.M. Einheit, il y a constamment une histoire de résonnance du bâtiment. Déjà dans les années 80 avec Einstürzende Neubauten, ils attaquaient les bâtiments au marteau-piqueur, ce sont des précurseurs de toute la musique dite industrielle. Il a un set de percussioniste très particulier, avec des briques, entre autres. Le concert aura lieu au bout de la rue de la Salle Seïta, au milieu des conteneurs car il n'était pas possible de le faire dans le bâtiment en construction pour des raisons de sécurité.

S. G : Quelles sont les propositions qui te tiennent particulièrement à cœur ?
e. : L'inauguration de la Traverse Antonin Artaud, qui était marseillais et qui n'a pas de rue à son nom dans la ville, est très importante pour moi. La comédienne Cécile Duval et le poète Damien Shultz vont performer certains de ses textes. Le fait d'amener le loto du quartier à la Friche aussi et le bal tango…
Et bien sur, les 48 heures sur l'acousmonium d'Art Temps Réel avec une programmation exclusivement féminine.

S. G : Quelle est ton actualité ?
e. : Je viens de sortir un album, Transfall, sur le label australien Room40 avec lequel j'ai déjà travaillé, avec une pièce pour un ensemble de musique contemporaine et des pièces électro-acoustiques. Avec Cartouche, que je forme avec Natacha Muslera, nous sortirons un album en mai sur le label japonais Monotype, puis on sera en tournée en septembre. Enfin je sors une monographie en septembre chez les Presses du Réel.

Du vendredi 18 au dimanche 20 mai • Friche la Belle de Mai • 41 rue Jobin • Marseille 3e • 04 95 04 95 04 • entrée libre
www.lafriche.org
www.erikm.com

Charles-Eric Petit | Vaudeville psychédélique, mode d'emploi

Hervé Lucien — 2012-05-02T01:00:00Z

Découvert avec Notre Dallas, le jeune auteur-metteur en scène de la compagnie L'Individu crée au Gyptis Le Quadrille Amoché, “vaudeville psychédélique” écrit en empathie avec ses acteurs. Une œuvre iconoclaste, tout en glissements entre vaudeville burlesque, auto-fiction générationnelle et archétypes piochés chez Shakespeare (dont il adaptera Le Songe d'Une Nuit d'Été en 2013). Dans cette joyeuse et baroque prise de tête entre quatre trentenaires réfugiés à la montagne, Charles-Eric Petit ambitionne de rafraîchir une certaine magie du théâtre.

Hervé Lucien : Depuis Notre Dallas chacune de vos créations donne naissance à des pièces satellitaires comme Les Visages de Franck : pourquoi ce fonctionnement ?
Charles-Eric Petit : Je suis auteur avant d'être metteur en scène, ma mise en scène est un prolongement de l'écriture. Je veux partager cette écriture, impliquer les acteurs et techniciens, j'écris de plus en plus en pensant à un acteur plutôt qu'à un personnage, donc au delà de la pièce initiale, il existe des variations, des focus. Chaque œuvre fait naître une écriture : il y a l'œuvre matrice et des propositions qui tournent autour de cette œuvre, qui fonctionne ainsi comme un théorème. Nous recréons en permanence les pièces, ce qui donne ces déclinaisons. C'est une manière de construire que nous retrouvons au sein même des pièces : il y a une première lecture comme une règle du jeu, un point de rassemblement, et puis une deuxième, en miroir avec des œuvres références comme le théâtre de Shakespeare, Le Songe d'Une Nuit d'Été. Ces propositions fécondes créent des niveaux narratifs qui déplacent constamment le regard. Le monde autour de nous n'est plus objectif, de cette manière, nous essayons de capturer des moments d'humanité : c'est notre manière à nous d'être le miroir de la société d'aujourd'hui.

H. L : Est-ce une nouvelle forme de théâtre baroque ?
CE. P : Oui, dans la manière d'ajouter, parfois de surcharger. Je ne suis pas le seul dans ma génération à me revendiquer de cette influence. Avec le télévision, le cinéma, Internet, nous ne pouvons plus créer au théâtre comme nous le faisions auparavant. J'ai envie de m'adresser au citoyen d'aujourd'hui. Les codes de la représentation en société bougent et cela m'intéresse de faire évoluer les codes au théâtre, comme Joël Pommerat peut appliquer les codes du cinéma dans ses pièces.

H. L : Comment votre création s'articule autour de l'adaptation du Songe d'Une Nuit d'Été ?
CE. P : Chaque projet est autonome mais attaché à l'œuvre de Shakespeare, j'ai établi avec celle-ci une sorte de dialogue. Je suis arrivé à Shakespeare en passant par Botho Strauss qui adapté Le Songe d'Une Nuit d'Été dans Le Parc, à la fois un écho au Songe et une réflexion sur la société des années 80. Strauss interroge notre rapport au sacré. Le Songe d'Une Nuit d'Été n'est pas la pièce la plus passionnante de Shakespeare mais le génie est d'articuler plusieurs dramaturgies en autant de niveaux de lecture. En même temps, la pièce est une mise en abyme du théâtre, tout s'entremêle et cela nous dit comment nous créons du rêve au théâtre en s'appuyant sur le verbe. Et puis, il y a le quadrille amoureux dont je m'inspire dans ma nouvelle création, qui parle du rapport de force en amour.

H. L : Le Songe d'Une Nuit d'Été est donc une espèce de cosmogonie dans lequel vous allez piocher pour recréer vos pièces ?
CE. P : Dans ce projet générique Encore Un Songe, il y a plusieurs pièces dont Le Quadrille Amoché et puis Les Visages de Franck. Tout irradie depuis Shakespeare. Mais nous n'avons pas à le voir : cela ne m'intéresse pas que les spectateurs viennent au théâtre pour valider leurs acquis culturels. Ce qui m'intéresse, c'est comment recréer du rêve, réinventer les codes du vaudeville…
Le Quadrille Amoché s'inspire de personnes du Songe et des figures du quadrille amoureux, auxquelles s'ajoutent les biographies de chacun des acteurs. Ces derniers ne sont pas juste des objets que je manipule mais des sujets. Cette création est avant tout une pièce d'auteur dans laquelle il s'agit d'inventer avec les acteurs des personnages qui deviennent des figures.

H. L : Ce Quadrille est-il une pièce générationnelle ?
CE. P : Il parle de notre situation de trentenaire, c'est peut-être le lien que nous pouvons trouver avec Notre Dallas : nous parlons de là où nous sommes, nous essayons de trouver un sens à notre existence…
Le synopsis du Quadrille Amoché est un peu bête : ce sont quatre bobos qui décident de partir à la montagne. Nous sommes sur la montagne comme dans un espace symbolique, proche du rêve. C'est la magie du théâtre. Mais nous ne sommes pas enfermés dans ce théâtre générationnel : dans le Quadrille Amoché, il y a de la distance, de l'autodérision sur notre génération.

Du 8 au 12 mai • 20h30 (sauf les 9 et 10 à 19h15) • Théâtre Gyptis • 136 rue Loubon • Marseille 3e • de 10 à 27 euros
www.theatregyptis.com

Un PAC à l'art contemporain

Luc Jeand'heur — 2012-05-02T00:00:00Z

Le Printemps de l'Art Contemporain (PAC) programmé par l'association Marseille expos revient ce mois de mai pour sa 4ème édition sous le titre Sous le sable aux accents estival autant que de bord de monde. Trois jours festifs, soirées incluses, d'événements, concerts, performances, colloque, rencontres et vernissages proposés par les membres du réseau, ainsi que d'autres acteurs culturels qui s'associent à l'aventure, à travers les quartiers de la Plaine, du Cours Julien, du Vieux Port, du Panier, de la Préfecture, de Longchamp et de la Belle de Mai.
Entretien avec Jean-Jacques Le Berre, président de Marseille expos.

Luc Jeand'heur : Est-ce que vous pouvez nous présenter le PAC 2012 et ses spécificités à travers cette thématique : « sous le sable » ? Est-ce que cela résonne comme un air de vacances ou un constat d'enlisement, voire un appel à la révolution culturelle ?
Jean-Jacques Le Berre : Le titre fait référence au film de François Ozon, dont l'élément principal est la plage. La plage est un espace périphérique entre deux mondes, un territoire mouvant et très restreint, cela correspond à la fois à ce que peut évoquer la ville et également souligner que dans cette programmation 2012 de nombreuses propositions artistiques se situent aux lisières des champs habituels de l'art contemporain. Enfin, c'est une invitation à découvrir une programmation dont le but n'est pas d'être spectaculaire mais d'interpeller de manière plus allusive le spectateur.

L. J : Le PAC amène-t-il de nouveaux publics à l'art contemporain, marseillais ou autres ? Est-ce qu'il démocratise le travail des structures locales ou concentre-t-il dans l'intensité la consommation des habitués ? Pouvons-nous envisager qu'il étende à l'avenir son territoire jusqu'aux périphéries, en direction des quartiers Nord par exemple ?
JJ. LB : Le Printemps de l'Art Contemporain a déjà contribué au fait que les publics se croisent : nous nous sommes aperçus très tôt que chaque lieu avait ses habitués, la proposition de « package » d‘évènements est un plus et donne un côté festif plutôt bien perçu. Et de fait, la communication autour du Printemps de l'Art Contemporain attire de nouveaux publics.
Pour ce qui est de l'extension territoriale de l'événement, plusieurs problèmes se posent dont celui de la durée, il est en effet très difficile de voir tout ce qui est proposé en trois jours et si ces propositions sont éclatées géographiquement, cela pose un second problème : celui du transport, le réseau de transport Marseillais n'étant pas très approprié ; ce n'est déjà pas très pratique d'aller à la Friche ...

L. J : La reconnaissance de notre scène locale est compliquée. Nous avons le sentiment qu'il faut créer l'événement (le "Buzz") pour donner une visibilité sur l'art contemporain à Marseille alors que nous savons, notamment grâce à Marseille expos, que beaucoup de structures ici sont au travail toute l'année. Le PAC est à sa façon un focus capital sur cet aspect de la vie culturelle. Comment faire, selon vous, pour que la politique culturelle de la ville embraye à long terme sur un véritable « grand projet art contemporain » ?
JJ. LB : Le problème du focus ne me semble pas être une exception marseillaise. Ce qu'il manque surtout, c'est une vrai présence institutionnelle, la rareté des évènements muséaux proposés ne nous sert pas au quotidien. Il ne faut pas oublier que le PAC est une initiative des structures membres de Marseille expos, partout ailleurs, ce genre d'événement est porté par les institutions. Il est bon, effectivement, de préciser que les acteurs du Printemps de l'Art Contemporain œuvrent à longueur d'année et que la reconnaissance de leur travail, pour une majorité d'entre eux, dépasse les frontières de leur territoire d'intervention.

L. J : Quelles perspectives à l'avenir du PAC et de Marseille expos ? Est-il possible d'envisager la prochaine étape sous forme éditoriale, papier ou web, la mise en oeuvre d'une revue de réflexion et de critique largement diffusée autour de l'art contemporain d'ici et d'ailleurs, comme le fut un temps l'expérience trimestrielle de Zérodeux à Marseille ?
JJ. LB : Il y a une réflexion permanente quand à l'avenir du Printemps de l'Art Contemporain et de Marseille expos, les membres se réunissant régulièrement pour en débattre, l'idée d'une revue a été abordée, bien évidemment tout cela reste soumis à un problème de gestion et de moyens. Il ne faut pas perdre de vue que chaque membre de Marseille expos doit gérer ses propres activités et consacre du temps en plus au réseau.

L. J : Qu'est-ce qui, selon votre expérience, fait défaut au contexte marseillais pour que l'art contemporain s'épanouisse tout à fait ?
JJ. LB : Le contexte marseillais est à mon sens identique à celui des autres grandes villes de province, à savoir : comment exister par rapport à Paris qui concentre tous les évènements culturels ?
Lyon, Nantes ou Toulouse ont réagi en proposant localement des moments forts. Cela se passe aussi à Marseille depuis quelques années, mais pas avec les mêmes moyens ! Pour autant, ART-O-RAMA et le Printemps de l'Art Contemporain commencent à avoir une résonnance non négligeable hors Marseille.
Les évènements de 2013 peuvent servir de déclic, aux opérateurs locaux de saisir l'occasion si elle se présente.

Printemps de l'Art Contemporain #4, Sous le sable • 17, 18 et 19 mai 2012 • 38 participants + 36 expositions + 1 colloque + 1 rencontre
http://www.marseilleexpos.com

Karine Rougier en résidence chez Vacances Bleues, un Atelier de l'EuroMéditérranée

Judith Mayer — 2012-05-01T23:00:00Z

Judith Mayer : Karine Rougier, vous venez de passer trois mois de résidence dans les locaux de Vacances Bleues en tant qu'artiste plasticienne dans le cadre des Ateliers de l'EuroMéditerranée. Quelle y a été votre activité ?
Karine Rougier : J'avais une commande à exécuter : réaliser un dessin, de deux mètres sur un mètre cinquante, inspiré du voyage et des souvenirs de vacances apportés par les salariés. Par la suite, je me suis consacrée à d'autres travaux, notamment des créations pour le Salon du Dessin, à Paris.
Le jour de l'inauguration de l'atelier, les salariés ont tous déposé un objet sur l'étagère : une poupée en bronze de Bolivie, un chameau en cuir de Tunisie, du sable du désert, des coquillages, un maillot de foot, de la Biafine, des tongs, un éventail, un réveil, un éléphant, une Bonne Mère sous la neige…

J. M : Comment réussir à intégrer chacun de ces éléments dans la fresque ?
K. R : Au début, je comptais seulement y puiser l'inspiration et y mêler l'imaginaire. Finalement, les objets ont tous trouvé leur place. Au moment du don, je sentais que c'était précieux pour les gens. C'est devenu une contrainte de composition. L'élément central du tableau est un totem et j'ai construit la fresque autour, au fur et à mesure, sans pour autant savoir où j'allais.

J.M : En êtes-vous satisfaite ?
K. R : Oui ! Maintenant que j'ai réintégré mon propre atelier, je me rends compte que ces trois mois m'ont donné un nouveau souffle et m'ont permis de changer ma pratique quotidienne. C'était ma première résidence, que j'ai vécue comme une expérience. C'est très bénéfique de travailler avec des gens dont l'activité est différente. J'ai apprécié leur regard sur le dessin. Certains venaient régulièrement en voir l'évolution. On pouvait s'amuser. Par exemple, j'ai fini par dessiner une tong sous le totem. A leurs yeux, c'est comme si je l'avais déraciné pour la glisser en dessous ! Et puis j'ai ajouté des personnages, dans l'esprit des dessins de la série « Où est Charlie ? » : on peut y déceler la présence de membres du personnel de Vacances Bleues…

J. M : En quoi le soutien de Mécènes du Sud est-il porteur pour l'artiste que vous êtes ?
K. R : Lauréate en 2010, j'ai rencontré les mécènes à plusieurs reprises. L'énergie de cette structure me plaît ; quand Bénédicte Chevallier, déléguée générale de Mécènes du Sud et Françoise Aubert, Déléguée Artistique de la Fondation Vacances Bleues m'ont proposé cette résidence, j'y ai trouvé du sens. C'était l'occasion d'échanger avec d'autres personnes, de vivre une nouvelle expérience, de m'interroger sur le bien fondé de la création.
Vacances Bleues est une entreprise très familiale : les gens sont curieux, et partagent un esprit d'échange et d'ouverture. J'ai bénéficié d'excellentes conditions de travail, dans un atelier magnifique, avec une verrière qui diffusait une belle lumière.

J. M : Le travail de commande n'a-t-il pas représenté une entrave à la créativité ?
K. R : Non. Au contraire, j'ai trouvé cela fécond. J'ai mesuré ma liberté dans l'entreprise puisque contrairement aux employés, je n'ai pas de contrainte horaire. Les Ateliers de l'EuroMéditerranée représentent une bonne formule : cela favorise la rencontre. Loin de l'image de l'artiste délurée, bohême, j'ai déjoué les idées reçues en travaillant avec soin et sérieux. Parfois, ma journée de travail ne s'arrêtait pas à la sortie de l'atelier : j'ai également un travail alimentaire ; certains soirs, je vais tenir le stand de la librairie l'Histoire de l'œil au Théâtre de la Criée.
D'autre part, bien que je n'aie pas de visées pédagogiques, j'ai senti combien c'est intéressant pour le public de suivre le cheminement de la création et de découvrir quelle construction préside à l'exposition finale. Je crois que ma résidence a permis aux employés de se familiariser avec mon travail, mais aussi avec l'art en général, devenu accessible.

J. M : Pour vous, est-ce important d'être implantée à Marseille ?
K. R : Il se trouve que j'habite et que je crée dans cette ville. Je sais pourquoi j'y travaille, mais je ne suis pas dans une démarche liée au territoire. J'ai beaucoup de plaisir à vivre ici, grâce à l'entourage, au quotidien, à l'atmosphère. Cela se joue pour moi sur le plan humain et non pas politique. Il faut dire que je suis née sur l'île de Malte. Ma mère est maltaise, mon père français. La proximité de la mer revêt de l'importance à mes yeux : je vais même me baigner en hiver, parée d'une combinaison ! Le ciel est magnifique toute l'année… Je suis venue à Aix pour mes études avant de m'installer à Marseille. Cela ne représente rien de définitif, mais pour l'instant, je m'y sens bien.

J. M : Avez-vous d'autres projets de collaboration avec Mécènes du Sud ?
K. R : Le dialogue se poursuit. J'espère revenir vers eux avec de nouvelles idées. Je participe au Printemps de l'Art Contemporain avec l'exposition Un oiseau immobile dans le ciel, présentée à Vacances Bleues. Le dessin de la résidence y sera présenté. Par ailleurs, j'ai un projet d'exposition à Buenos Aires, à la galerie CG Arte… L'aventure continue !

Karine Rougier, Un oiseau immobile dans le ciel • Fondation d'entreprise Vacances Bleues • du 17 mai au 16 juin 2012 • Vernissage samedi 19 à partir de 18h • jeudi et vendredi de 15h à 18h • sur rendez-vous • 04 91 00 96 83
fondation@vacancesbleues.fr

VILLAGES CLUBS DU SOLEIL

Bénédicte Chevallier — 2012-04-10T14:04:22Z

Créé en 1960, Les Villages Clubs du Soleil proposent des séjours en villages de vacances à la Montagne et à la mer. A travers une structure a-capitalistique, l'entreprise revendique son appartenance à l'Economie Sociale.
Avec 10 destinations en France, dont 9 à la Montagne, et plus de 4500 lits, Les Villages Clubs du Soleil ont su se développer sur des engagements forts et fortement différenciants : un produit tout compris pour toute la famille, un savoir faire dans l'accueil des enfants, une démarche qualité exemplaire avec la certification ISO 9001 et un engagement dans la RSE avec l'ISO 26000.
« Volontairement différent », Les Villages Clubs du Soleil soutiennent des actions culturelles ou artistiques avec par exemple la création du Musée du Grand Hôtel à Superbagnères, le développement et la valorisation du sentier géologique du Chenaillet à Montgenèvre.
Cet engagement se poursuit aujourd'hui dans Marseille Capitale Européenne de la Culture.

La Confiserie du Roy René

Bénédicte Chevallier — 2012-04-02T07:00:00Z

La Confiserie du Roy René a été créée en 1920. Gérée par la troisième génération de la famille, elle est aujourd'hui leader de la Confiserie Provençale haut de gamme et exporte dans plus de 24 pays dont les USA, le Canada, le Japon, la Grande Bretagne…

Les produits sont distribués partout dans les commerces de détail ainsi que dans les grandes et moyennes surfaces.

Sous l'impulsion de son Président Maurice Farine, l'entreprise compte plus de 60 salariés et, tout en continuant la tradition des confiseries qui ont fait sa notoriété, propose aujourd'hui de nouvelles spécialités très appréciées des gourmets.

Matières premières rigoureusement sélectionnées, savoir-faire, créativité, les produits sont toujours fidèles à la tradition de qualité des confiseries du Roy René et portent haut les couleurs de la Provence.

Voir en ligne : http://www.calisson.com/

Gilbert Féraud

Bénédicte Chevallier — 2012-04-02T07:00:00Z

Une étude notariale fait partie des acteurs économiques et à ce titre, accompagne les entreprises dans leurs projets d'implantation et de développement.
L'entreprise est une grosse consommatrice de conseils dans les domaines les plus variés et notamment dans celui de l'immobilier qui constitue notre cœur de métier.
C'est pourquoi, notre office a souhaité rejoindre le collectif d'entreprises de Mécènes du Sud pour soutenir la création contemporaine dans la région.

La distance qui nous sépare | L'entreprise compagnie François Cervantes, du 6 au 24 mars 2012 à La friche la Belle de Mai, salle La Cartonnerie.

Laurent Cucurullo — 2012-04-01T03:00:00Z

A la fin d'une journée bien remplie, une fois les lumières éteintes et le silence fait, je me retrouve seul avec moi même. Nul besoin des trois coups traditionnels qui annoncent le début de la représentation avant les premières images du film de ces dernières heures. L'action débute devant mes yeux fermés par les plus proches instants, peut-être parce que ça demande moins d'effort au spectateur - réalisateur ? Lentement mais sûrement les images qui remontent à la surface m'évoquent des événements moins récents. Leur rythme est parfois moins fluide que souhaité et je ne suis pas toujours raccord avec les clichés que j'enjolive. En revanche, j'apprécie la situation qui me rappelle l'existence de ce drôle de lien entre la lenteur et la mémoire, et la vitesse et l'oubli. Lorsque votre pas s'accélère, n'est-ce pas pour oublier ce qui vient de se passer, un peu comme pour prendre de la distance avec quelque chose qui est encore trop proche ? A l'inverse lorsque vous prenez plaisir à traîner les pieds ou à vous promener au hasard et surtout sans hâte n'est-ce pas pour vous souvenir de quelque chose ? [1]
C'est à ce genre de scénario - palimpseste sensible aux superpositions et à la dérive propice à des rencontres au caractère plus intime que quotidien - que la dernière création de la compagnie L'entreprise nous invite. La distance qui nous sépare [2] entraine le spectateur sur un territoire aux contours plutôt vagues, de pays en régions, en passant par la chambre d'un adolescent jusqu'au grenier qui finira par révéler ses secrets. D'événements historiques majeurs en épisodes familiaux, je me laisse chahuter et porter par des histoires distinctes mais pas si distantes. L'absence de décor est vite oubliée grâce au poids des mots et aux récits (re)joués sur scène. Je me dis que c'est bien souvent un sentiment de pesanteur qui signale la traversée d'une épreuve. Certains passages me touchent plus que d'autres évidemment, je ne sais pas pourquoi j'ai attendu aussi longtemps avant de me demander cela ? Quel est l'impact de ce mot sur moi ?
A ce sujet, je pense à un entretien donné par François Cervantes il y a déjà quelques années lors du passage du Voyage de Pénazar au Théâtre Massalia en 2007, « Quand la porte se referme, quand le spectacle commence, s'échange dans l'atmosphère quelque chose de chimique, de charnel. C'est cela, l'acte poétique, ce n'est pas une chose qui a été faite avant et que l'on montre. Cet acte poétique fera ensuite son travail dans les mémoires et les corps, d'une manière que l'on ignore. Ce qui me préoccupe, c'est le rapport entre l'art et la vie ; pas l'art tout seul. C'est une petite résistance sur le fait que l'on essaye de faire de l'art un produit. » Retour en arrière, au tout début de la représentation sur la scène de la Cartonnerie les comédiens se présentent : Catherine Germain, Nicole Choukroun, Dominique Chevalier, Stephan Pastor, Laurent Ziserman. Ils sont debout face à nous, ils ne se regardent pas encore. La distance qui nous sépare à ce moment là est encore forte. Néanmoins la bulle proxémique ne tardera pas à se fissurer... Avant d'être les personnages de cette pièce ce sont d'abord des personnes qui nous parleront d'eux et de leurs trajectoires ou qui feront comme si, face à d'autres personnes, d'autres corps aux origines multiples.
Dans le même entretien Cervantes précise : "l'acte poétique n'est pas une jolie chose que l'on admire et qui embellit la vie… C'est quelque chose qui a des conséquences. Un jeune homme ou une jeune femme qui est vraiment brûlé par un tableau, un poème ou un spectacle, c'est dangereux. Et je pense que se reconnaître dans une communauté qui n'est pas la nôtre, c'est le fondement de l'acte théâtral. Des gens inconnus qui se sont réunis, dans le noir, et qui vivent ensemble quelque chose… Cela peut donner une sorte de brûlure."
Etrange de constater à quel point ce genre de corps à corps rappelle aussi les moments de « solitude généreuse »… Je pense à une sorte de princesse Leia (Amidala Skywalker) qui apparaît subitement sur scène comme pour décrire un parcours contrarié, idem lorsque un grand père hyper dynamique à l'accent yiddish, tournicote dans l'espace malgré la charge de deux sacs encombrants tout en pestant contre cette représentation de son image. N'éprouvons-nous pas les mêmes émotions fulgurantes lorsqu'un sourire se dessine malgré nous sur nos lèvres alors que nous sommes seuls ? C'est la même chose lorsqu'un bref et intense éclat de rire surgit sans prévenir. Toutefois nous nous faisons rarement rire seul, peut être simplement parce que nous nous surprenons difficilement nous-même… Et pourtant ! Nous prenons chaque jour une foule de décisions, laquelle est la bonne, laquelle ne l'est pas ? Nous sommes comme des comédiens qui n'ont jamais répété. Chaque jour nous rapproche de la première qui n'arrivera pas (malgré tout). Alors nous improvisons.

[1] Lire à ce sujet La lenteur de Milan Kundera.

[2] http://www.compagnie-entreprise.fr/...